En el 53º aniversario (13 de febrero) del estreno de Cabaret (1972), se presenta este análisis de una secuencia crítica del film, en la que el director Bob Fosse pone en relieve la tensión entre el espectáculo, proponiendo la represión política mediante emblemas ideológicos, la expresión de género contracultural y la promiscuidad como actos performativos que satisfacen la voraz necesidad de espectáculo de la sociedad, desviando la atención de los atroces hechos reales que ocurren fuera del escenario. Este elaborado análisis a la vez, examina cómo la mirada hedonista del espectador puede oscurecer, reproducir y perpetuar las crudas realidades de la violencia creciente y el control autoritario. Particularmente, mediante un uso matizado de la cinematografía en conjunto con la edición en paralelo y el diseño sonoro, Fosse yuxtapone el espectáculo fabricado y satírico del Kit Kat Club—marcado por una ostentosa puesta en escena con trajes estridentes y una iluminación dramática—contra un grave episodio de opresión y violencia antisemita, resaltando (por contraste) los posibles efectos de la complacencia del espectador.
La cinematografía de esta secuencia intensifica el contraste entre el espectáculo liberador y opulento que se desarrolla en el Kit Kat Club y la violencia antisemita en aumento en las bulliciosas calles. Los planos medios y primeros planos que enmarcan la actuación de las Tiller Girls destacan sus movimientos sincronizados, gestos casi militares y elaborados vestuarios, produciendo una sensación inquietante, pero cautivadora, de desapego. La colocación de la cámara y los ángulos de encuadre llevan al espectador a lugares inaccesibles para la audiencia diegética, ofreciendo perspectivas inmersivas desde múltiples puntos de vista, tanto junto a la banda como por encima del escenario. Esta libertad en la ubicación de la cámara rompe la barrera física y simbólica entre el escenario y la audiencia, dotando al espectador externo de una cierta omnipresencia y sensación de liberación al observar la actuación. En contraste, las escenas en la casa de Natalia emplean planos más cerrados y un enfoque cinematográfico minimalista, lo que reduce el punto de vista del espectador, elimina la teatralidad, constriñe el entorno y proyecta la vulnerabilidad del personaje con cruda inmediatez.
El recurso de la edición en paralelo permite a Fosse no solo yuxtaponer la atmósfera vivaz y performativa del Kit Kat Club con las sombrías realidades del incremento de la violencia antisemita y el sentimiento fascista, sino también explotar el diseño sonoro para amplificar el impacto de esta dicotomía, reforzado por una cinematografía efectiva. Durante el número de las Tiller Girls, la audiencia queda cautivada por el espectáculo de los intérpretes del Kit Kat Club y el Maestro de Ceremonias, quienes se visten con atuendos femeninos mientras desfilan por el escenario con música alegre. Los estruendosos estallidos de trompetas llenan el aire, mientras una iluminación precisa resalta a los bailarines, proyectándolos con nitidez y dirigiendo la atención hacia la pompa del espectáculo. Al seducir y entretener al público—vistos con trajes ceñidos y sombreros de bombín—los intérpretes irradian un deleite festivo, reforzado por interacciones del público captadas en siluetas y breves tomas de hombres bebiendo, reaccionando o tocando a los bailarines, mientras el escenario estalla en cintas y confeti. De manera significativa, los planos en ángulo bajo de Fosse, que capturan el vaivén de sus caderas y derrières, intensifican el atractivo voyeurista del film. No obstante, la técnica de edición en paralelo rompe de golpe este ilusorio júbilo al introducir visuales exteriores, con iluminación tenue y perturbadora, de intrusos irrumpiendo en lo que más tarde se reconoce como la residencia de Natalia Landauer —la heredera de una cadena de grandes almacenes judíos—. Estas imágenes intercaladas se complementan con la incorporación audible de su amenazante canto de “Juden” (la palabra alemana para judío), que coincide de forma ominosa con el patrón de percusión del número musical. En definitiva, esta deliberada superposición de sonido e imagen genera una experiencia sensorial inquietante que revela la complicidad del espectador en el espectáculo e ilustra cómo la vitalidad de la actuación puede eclipsar, e incluso ocultar, las brutales realidades que acechan más allá del escenario.
La tensión establecida, amplificada mediante el encuadre, la composición y los movimientos de cámara, obliga al espectador a considerar las implicaciones de la sátira fascista subyacente en el espectáculo exuberante. A lo largo de los segmentos del número musical, la teatralización del lenguaje cinematográfico crea una división sensorial entre la representación escénica y su traducción fílmica, contrastando la interacción de la audiencia diegética con los personajes y la forma en que el espectador externo se relaciona con el espectáculo. Esta tensión adquiere una capa adicional de autorreflexión mediática tras la abrupta transición desde el descubrimiento, por parte de Natalia, de su perro muerto en el umbral, hasta la reaparición del número musical del cabaret. En ese momento, el tamborileo—que en un principio energizaba la escena—adquiere un tono siniestro, reconfigurando la teatralidad del Kit Kat Club en una burla a la autoridad. En un primer plano, los bailarines voltean sus sombreros de bombín para asemejarlos a cascos metálicos de guerra, empuñando sus bastones como rifles, mientras el Maestro de Ceremonias, ahora una figura más dominante, es aislado mediante un encuadre preciso; la cámara sigue sus movimientos, y su expresión se realza con una iluminación focalizada. La composición se organiza de modo que el Maestro de Ceremonias se erige como la única figura destacada, encarnando la autoridad con una sonrisa burlesca que ridiculiza el sistema totalitario fascista que el número satiriza. El contraste entre la fluidez inicial de la actuación en el escenario y la posterior rigidez de la coreografía subraya la naturaleza ensayada y mecánica del espectáculo. Tras presenciar la violenta irrupción en la casa de Natalia, el espectador externo se muestra inquieto ante el repentino regreso del número musical, mientras la audiencia diegética estalla en risas y aplausos, absorta en la actuación. El recurso de la edición en paralelo intensifica la disonancia entre ambas audiencias: mientras los espectadores diegéticos se regocijan en la alegre burlesca—entretenidos por la recontextualización de amenazas como la radicalización de la juventud, la militarización de la sociedad, la violencia y la posibilidad de otra Gran Guerra, convertidas en objetos de burla—el espectador externo, consciente de la violencia fuera del escenario, se ve obligado a confrontar la corrupción moral subyacente al placer del entretenimiento.
Finalmente, el uso magistral de la cinematografía, la edición paralela y el diseño sonoro en la transición final entre el número musical, la irrupción en la propiedad de Natalia y el retorno reiterado al espectáculo establece un poderoso comentario sobre el arte performativo en relación con la opresión ideológica (particularmente en lo que respecta a la ideología nazi y la violencia antisemita). La coreografía de los bailarines—caracterizada por vestuarios coloridos y movimientos exagerados—funciona como un acto performativo que ridiculiza a las tropas que se someten a una ideología inflamatoria de odio y resalta la superficialidad de su masculinidad y conformismo. Este paralelismo se intensifica con las imágenes intercaladas de los hombres irrumpiendo en la casa de Natalia, lo que sugiere que su feminidad y posición social la convierten en un blanco fácil de la violencia patriarcal y nacionalista. La transición desde la animada actuación del Kit Kat Club hasta la aterradora irrupción en su propiedad enfatiza la tensión entre el espectáculo festivo y la cruda realidad, culminando en el Maestro de Ceremonias, quien levanta su bastón adornado con peluca y sombrero mientras luce una sonrisa burlona y su risa resuena entre el público. Estas transiciones dramáticas demuestran cómo las interpretaciones activas y las representaciones de género pueden contribuir tanto a la ruptura como al refuerzo de sistemas represivos, al mismo tiempo que resaltan la compleja conexión entre el entretenimiento y la violencia que se despliega a lo largo de toda la secuencia. Esta secuencia, delimitada por la duración del número de las “Tiller Girls” en Cabaret (1972), funciona como un espejo perturbador que refleja el incremento de la violencia y la represión en la Alemania de los años 30. Una vez que el tono del número musical cambia—mediante la transformación de los bailarines del Kit Kat, de individuos vibrantes a figuras despersonalizadas y mecánicas—Fosse ilustra la eliminación de la identidad individual frente a la maquinaria del totalitarismo. La transición rítmica de la música, que evoca una marcha militar, resuena con la militarización del estado y el rearme alemán, mientras que la intersección entre la euforia escenificada y la brutalidad externa, evidenciada por la irrupción en la casa de Natalia Landauer, revela el peligro de la complacencia del espectador. En términos generales, el uso combinado de la cinematografía, el sonido y el montaje paralelo concluye con una afirmación relevante sobre el arte performativo y su inagotable capacidad para entretener, articular, desafiar y resignificar ideologías opresivas
